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La marque de l'impermanence dans les expositions du palais de Tokyo

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par Thomas Bizien
Université Paris III - Sorbonne Nouvelle - Master 1 de médiation culturelle 2010
  

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IV.1.b - L'abandon de l'art

Si l'art peut être envisagé comme une tentative d'opposition au fonctionnalisme de la vie, et si au premier abord il permet de s'écarter de tout système préétabli, il devient avec l'expérience, la matière contre laquelle il s'agit de lutter. Car la recherche de singularité peut embrigader l'artiste dans des logiques productivistes. Trop heureux d'avoir pu faire reconnaître leur originalité, beaucoup finissent par se cantonner dans leur technique, répétant leur principe jusqu'à épuisement de l'expression. En l'absence de rigueur, ils font perdre toute teneur à leurs créations à mesure qu'ils se

144 Fig. #51

145 Annie Lebrun, Du trop de réalité, Stock, 2001

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plient devant elles. Esclaves de leur propre travail, ils subordonnent leurs travaux à des enjeux ordinaires comme celui de faire perdurer le motif qui leur a permis de rencontrer le succès.146 Contre la routine, des artistes ont au contraire refusé de rentrer dans toute logique de style. Alliant l'art et leur vie, Robert Malaval fait par exemple carrière dans l'impermanence, préférant abandonner l'art plutôt que de se retrouver dans une Artwork Class, de se retrouver dans les allées d'un marché de l'art saturé d'insignifiances grossières.

À 25 ans, sa série de l'Aliment blanc, matière blanchâtre avec laquelle il recouvre des fauteuils, des chaises roulantes et des tableaux, Robert Malaval rencontre du succès. Il se forge un personnage et pour un temps ne porte que du blanc. Lorsque Dali l'invite à diner, il commande un oeuf dur, une sole et un yaourt nature. Il expose à New York, chez Yvon Lambert et Daniel Gervis. Le milieu de l'art achète et lui en redemande. Mais ne concevant son activité ni comme un sacerdoce, ni comme une obligation Robert Malaval arrête l'Aliment blanc. Comme s'il refusait de faire semblant de jouer avec les systèmes de reconnaissance de la société, l'artiste combat sa soif de créativité. En abandonnant l'art, il se libère lui-même de la posture d'esclave servile qu'il venait d'endosser. Une attitude qui se retrouve au fil du temps tant les changements de période et l'impermanence de sa production déjouent tous les styles. Malaval s'arrêtera par intermittence de travailler, ponctuant son oeuvre de longues césures, afin de ne jamais se répéter.

« J'aime le changement, c'est ma ligne. La seule ligne que je puisse avoir. Disons que ma ligne est de ne pas en avoir.147 »

L'exposition Kamikaze (2005) mettait en valeur les aspects très hétérogènes du travail de Robert Malaval. La scénographie rendait compte de cette inconstance, du renouvellement continu de son langage. Dans son organisation, elle faisait explicitement référence à ces césures :

146 Ian Burn, The artist as victim, 1974

147 Entretien avec Sylvain Lecombre in Robert Malaval : attention à la peinture - Exposition pirate, Maison des arts et de la culture, Créteil, 1980

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« Toute son oeuvre est faite de rupture et cette exposition souhaite en rendre compte (...), en rendant compte de son désir constant de se surprendre lui-même et de se réinventer.148 »

La rétrospective du Palais de Tokyo mettait ainsi en valeur le travail d'un artiste qui avait refusé d'être un bureaucrate de sa propre oeuvre. Sur ce point, Robert Malaval a en commun avec Charlotte Posenenske d'envisager l`art comme une manière d'être consciemment pensée contre l'aspect fonctionnel d'un système construit sur des rapports de domination et de logique productiviste. Marc-Olivier Wahler proposait en 2010 une rétrospective de cette artiste allemande, accentuant le discours sur son retrait de la scène artistique. En 1968, Charlotte Posenenske abandonne en effet toute production artistique et commence des études de sociologie portant sur l'étude des processus de travail standardisés. Cette décision de mettre fin à une carrière artistique prometteuse s'inscrit dans le contexte de développement des attitudes performatives et conceptuelles de l'art de l'après-guerre. En abandonnant toute production, Charlotte Posenenske adoptait une attitude porteuse d'une critique de la marchandisation de l'art, faisait un pas pour mieux intégrer pratique et théorie, comme le projet avant-gardiste d'unifier l'art et la vie. En mai 1968, l'artiste publie un texte dans Art International qui conclut :

« Je ne peux me résigner à l'idée que l'art ne saurait contribuer à résoudre des problèmes sociaux pressants. »

Avant de se retirer de la sphère artistique, Charlotte Posenenske produit des formes modulables fabriquées en série illimitée et dont le matériau reste brut : acier, carton. Ses dernières oeuvres ne sont pas signées, sont éditées en série illimité et vendue sans marge de bénéfice. Exposées au Palais de Tokyo, ces sculptures ressemblent à s'y méprendre à des conduits d'aérations. Dans l'espace d'exposition, ces oeuvres créaient un double écho : à la fois trappe de sortie de l'espace d'exposition, et par sa vie personnelle, un exemple de sortie du monde de l'art. Pour Charlotte Posenenske, quitter l'art peut être envisagé comme une conséquence des recherches de l'artiste sur la production et la consommation. L'abandon de l'art peut ici être perçu comme la

148 Marc Alizart, Robert Malaval, kamikaze, Palais de Tokyo, 2005

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conclusion de sa quête d'un art objectif et coopératif. L'art est impuissant à résoudre les problèmes sociaux. Il ne produit que des simulacres de relation libres et doit être abandonné au profil d'activité ayant réellement prise avec le réel. Ayant constaté que l'art ne lui permettait d'intervenir qu'au niveau de la consommation, l'artiste fait le choix de la sociologie et du syndicalisme pour pouvoir agir au niveau de la production. Elle tire les conséquences pratiques et abandonne toute activité artistique pour s'engager pleinement dans des activités en prise avec le social. Et pour Posenenske et Malaval, les coupures de leur oeuvre et l'immolation dans le silence ne dénie pas leur travail. Au contraire, leur retrait de la scène artistique rajoute de la valeur ajoutée à leur oeuvre. Désavouer un travail devient une nouvelle source de sa légitimité, un certificat de bonne foi, un gageur de sens.149

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"Je voudrais vivre pour étudier, non pas étudier pour vivre"   Francis Bacon